La famille dans la peinture d’icônes

Dans le couloir historique du développement de l’art chrétien, les peintures d’icônes occupent une place importante. Des images simples et concises des débuts aux symboles symboliques, en passant par les personnalités religieuses complexes et diverses de l’époque tardive, d’innombrables maîtres de l’art, dotés d’un imaginaire infini, ont intégré des émotions uniques transformant les images religieuses du Père, du Fils et de la Vierge en figures artistiques intuitives. Il véhicule des connotations riches, des significations profondes et une beauté sans égale, et frappe directement le monde intérieur des gens. La Vierge et l’Enfant est l’un des thèmes importants de la peinture d’icônes et la relation touchante entre la Vierge et l’Enfant est une source inépuisable de création artistique. Léonard de Ser Piero da Vinci (1452-1519), à différentes étapes de sa carrière artistique, créa les cinq populations sur le thème de la Vierge à l’enfant. Les belles peintures interprètent la vérité humaine séculaire entre la Vierge et l’Enfant, expliquent également les choix sacrés qu’elles ont faits pour leur mission et deviennent le classique éternel de ce type de peinture.

Les scènes de vie sont entremêlées de symboles religieux – la clé de la création artistique

Les trois peintures de “La Vierge à l’oeillet”, “La Dame de l’allaitement”, “La Vierge Marie et Yanwonde” représentent trois scènes chaleureuses de la vie. L’image est pleine d’humain. Dans le même temps, une série de symboles symboliques religieux cachés dans les peintures reflètent la conception artistique unique de l’artiste et expriment la connotation culturelle de l’art occidental. De cette manière, l’interaction entre la Vierge et l’Enfant est à la fois pleine de tendresse humaine et sans le caractère sacré de la religion.

“Madonna of the Carnation” a été créée entre 1478 et 1480. L’ouverture de la tête de la Vierge à l’enfant, courante dans les peintures religieuses traditionnelles, a disparu. Les personnages de cette peinture se sont également débarrassés des visages indifférents du monde détaché et ont exclu les peintures religieuses. Le sentiment de culpabilité est plein d’humanisme fort. L’oeillet rouge entre les mains de la Vierge symbolise la mission de Jésus et devient l’élément religieux le plus frappant de la peinture.

Da Vinci a disposé l’arrière-plan dans un espace petit et sombre. La fenêtre cintrée derrière la figure est la seule source de lumière pour l’ensemble du tableau. À travers la fenêtre, une rangée de pics accidentés et décalés est remplie de Symbolise la pensée et le design uniques de l’artiste. Au centre de l’image, la Vierge Marie est assise dans une robe bleue délicate et élégante avec une robe rouge et des manches rouges. Le jeune Jésus était assis à côté de sa mère, sans vêtements, et sa peau était en bonne santé. Ses joues étaient légèrement relevées, ce qui ne différait pas de celui d’un bébé ordinaire, ce qui donnait l’impression d’être mignon. Les cheveux apparemment improductifs sur sa tête, les cils épais, les lignes sur les doigts et les orteils témoignent de la maîtrise des talents créatifs de Da Vinci. Il est à noter que les yeux de la Vierge sont bas, le Fils lève les yeux et les yeux des deux ne se croisent pas.

La Madone tient un œillet dans sa main droite et le pose sur sa poitrine, le Fils tend la main et tente de le prendre. Les trois mains et les oeillets forment une structure triangulaire solide et le jeu des fleurs est devenu le centre de tout le tableau. Selon la légende, lors de la crucifixion de Jésus, la Vierge Marie aurait laissé un cœur en pleurs et un œillet rouge aurait poussé à l’endroit où les larmes coulaient. Depuis lors, les œillets ont non seulement été étroitement liés à l’amour maternel immortel, mais sont devenus un symbole du sang des chrétiens. Da Vinci a placé l’œillet sur l’axe central vertical de la photo, ce qui semblait impliquer que la mère et le fils partageaient l’image sereine de l’amusement familial, dissimulant la douleur et le chagrin que les gens ordinaires ne pouvaient prévoir.

L’image délicate et parfumée du lait de succion du bébé dans les bras de sa mère semble être le parfait exemple de l’amour maternel et maternel. Une scène sainte et silencieuse dépeinte par Madonna Litta, créée en 1490. Le pinson aux ailes d’or, avec sa signification symbolique, suggère l’avenir du Fils et suscite la réflexion.

La composition de la peinture est simple et équilibrée: semblable à la Vierge à l’oeillet, l’arrière-plan est placé dans un espace sombre et les deux fenêtres cintrées symétriques derrière les personnages constituent l’unique source de lumière. En regardant par la fenêtre, le ciel est clair et bleu et les couches s’empilent au loin. La Vierge est vêtue d’une chemise rouge et d’une tunique bleue: c’est la robe typique de la Madone. Elle se peignait et mettait son foulard. L’image du bébé dans les bras de la Vierge est éclatante, la peau blanche, les boucles dorées et les yeux noirs la rendent un peu plus agile et énergique. La belle et belle Vierge Marie tient le dos et les hanches du Fils à deux mains, traduisant naturellement et judicieusement les soins de la mère pour l’enfant, et le contact physique intime rend également la Madone soudainement affectueuse. Le Fils se concentre sur le lait de lait et profite du confort de sa mère.

Dans l’ombre du coffre de la Vierge, un chardonneret est tenu dans la main du Fils. Le chardonneret est considéré comme un symbole de la crucifixion et de la couronne d’épines, apparaissant souvent dans les portraits de la Vierge et du Fils, annonçant le rude avenir du Christ. Dans le tableau “L’allaitement de la Vierge”, le saint qui serre les mésanges dorées semble indiquer qu’il comprend bien sa mission et ses yeux fermes révèlent qu’il n’a pas peur de l’avenir. La Vierge regarde fixement le Fils et le sourire sur son visage est chaleureux et serein, traduisant une psychologie et une émotion subtiles. Peut-être que la Vierge jouit du bonheur d’être une mère comme une jeune femme normale, peut-être qu’elle ressent déjà le destin du Fils, mais elle ne fait que couvrir sa tristesse intérieure d’un sourire.

“Madonna of the Yarnwinder” a été créée en 1499 et le héros du tableau est toujours la Vierge à l’enfant. “Yarnwinder” signifie “axe de rotation”. Dans cette peinture, l’axe de rotation est le point central de la Vierge et du Fils et implique également le thème central de la peinture.

La Vierge est assise sur une colline escarpée, avec une colline bleue derrière elle et son jeune fils assis sur ses genoux. Les mains du fils enserraient l’axe de rotation de la mère, l’index de la main gauche pointait vers le centre de la croix et la torsion corporelle semblait se détacher des bras de la mère. La main gauche de la Vierge Marie s’accrochait à la poitrine de Jésus, montrant la posture de protection du fils par la mère, tandis que la main droite était légèrement levée, apparemment pour empêcher le Fils de se détacher de ses bras, mais ne tomba pas. D’une part, l’arbre en rotation représente le côté de la vie de la Vierge, ajoutant une atmosphère laïque à la peinture, d’autre part, l’axe de rotation est un symbole de la croix et, avec les montagnes derrière la Vierge et l’Enfant, laisse deviner la souffrance du Fils dans l’avenir. Le Fils surveille fermement le centre de l’arbre en rotation, comme pour dire que je serai cloué ici, à l’exception du crime d’échapper au monde. Le jeune Fils a montré sa détermination à porter la croix et la Vierge est un visage paisible et calme, ce qui semble être l’expression externe de la gratification et des encouragements intérieurs de la mère. Dans cette peinture, les yeux des deux ne sont pas douloureux et le peintre a façonné l’image d’une mère éclairée et d’un fils qui a le courage de prendre ses responsabilités.

Dans les peintures, les symboles religieux tels que les oeillets, le chardonneret et les haches sont enchevêtrés dans des scènes de la vie ordinaire, qui deviennent la clé de la création artistique de Da Vinci, donnant aux personnages religieux une vitalité tenace et un sens profond de la vie.

La fusion des personnages et de la nature mystérieuse – l’essence de “La Madone aux rochers”
En 1483, l’église de San Francisco à Milan chargea Da Vinci de peindre un retable pour décorer l’église de San Francisco, la collection actuelle de la Vierge aux rochers du Louvre. Madonna of the Rocks). Dans cette peinture, Da Vinci met les personnages dans la nature, allie parfaitement le thème des personnages à la nature mystérieuse, se concentre sur la représentation du monde intérieur et transmet la mystérieuse conception artistique et ses profondes implications.

Le fond de “La Vierge aux rochers” est une nature sauvage profonde avec des couches de roches, de petites rivières et des fleurs et des herbes dispersées dans les fissures. Le soleil chargé d’humidité traverse les nuages ​​et brille entre les rochers lointains, mystérieux et solennel. Au sommet de l’épaisse roche, l’herbe verte est luxuriante et le ciel bleu est visible devant les gens à travers les trous et les fissures entre les masses rocheuses. Da Vinci a décrit la réunion sacrée entre Jésus et Saint Jean comme deux enfants innocents jouant au bord de l’eau. Le petit Jean avait une longue croix sur son épaule, les mains jointes et regardait Jésus, qui semblait gêné mais qui paraissait contenir un soupçon de dévot: Jésus pointait son index droit en marmonnant quelque chose dans la bouche, l’ange qui cachait ses ailes était proche. Les yeux regardent le spectateur et le doigt pointe vers John. La Vierge se trouve au centre de la photo, vêtue d’une burqa à fond bleu foncé et d’un neveu, avec une paupière basse et un visage paisible, ce qui donne l’appel à la mère de la photo. Sa main droite était gentiment placée sur les épaules de saint Jean-Baptiste, la paume de la main gauche vers le bas, apparemment pour toucher la tête du Fils, ce qui semblait contenir une bénédiction et une protection. À l’arrière-plan de la blatte, le contour du corps humain est affaibli et le visage est plus visible à la lumière du scintillement.

Da Vinci utilise des techniques créatives profanes pour intégrer le «Dieu» sans issue et imposant au monde des mortels et l’intégrer à la nature. La sérénité et la tranquillité révélées par le tableau sont une vie de famille chaleureuse et douce. Représentation. La composition de l’image est terminée, les personnages sont profondément représentés et les personnages sont riches en émotions.La technique de peinture de “La Vierge à l’Enfant” a atteint le stade de la surnaturalisation.

Les vrais sentiments du monde et l’esprit de religion – L’essence de la Vierge, l’enfant et sainte Anne
Sainte Anne n’a pas été mentionnée dans la Bible, mais l’artiste introduit la chaleur et la douceur de la famille matérielle en tant que mère de la Vierge Marie et grand-mère de Jésus. La Vierge et l’enfant avec sainte Anne, écrite par Léonard Finch de 1500 à 1513, décrit l’interaction entre sainte Anne, la Vierge et les Trois générations des fils. La chaleur et le bonheur sont les images de l’image de la mère et de la forte affection dans le cœur de l’artiste, offrant une nouvelle dimension pour comprendre les sentiments entre la Vierge et le Fils.

Dans le tableau “La Vierge à l’Enfant et Sainte Anne”, le peintre alterne un crayon au fusain et un stylo de couleur.Le papier gris-bleu et le fusain s’unissent pour former un sentiment de culpabilité, ajoutant un brin de romance et de mystère au tableau. La vue du milieu de la photo est un grand arbre sombre avec une vue lointaine sur les montagnes éthérées et les ravines des montagnes s’étendant au loin. Sainte Anne était assise à côté de lui, la main gauche sur la taille, et la jeune fille Marie assise sur ses genoux, se penchant et pliant les bras pour serrer le jeune Jésus dans ses bras. Jésus attrape le cou d’un agneau, sa jambe gauche a croisé le dos du mouton, essayant de le tirer dans ses bras. L’agneau lui a tordu la tête et les quatre pattes ont heurté le sol. Il était naturel de se libérer.

Quand on regarde de près, il n’est pas difficile de trouver que Sainte-Anne et la Vierge et l’Enfant sont différentes. Les pommettes légèrement saillantes de Sainte-Anne, ses sourcils légers et ses sourires mystérieux qui s’étendent aux coins de ses lèvres en font une Mona Lisa! Sur l’écran, elle s’est assise à côté et a pris le poids de sa fille, Mary, comme si c’était la “pierre” des générations futures. Le visage de la Vierge Marie est digne et calme, avec des yeux bas, comme si elle regardait son cœur, un nez droit, de belles lèvres et une douce dépression en forme de croissant sous les lèvres, tous d’une beauté superbe. Son visage était couvert d’un léger deuil et il semblait qu’elle avait déjà prévu le sort futur du Fils, mais ne pouvait pas y résister: c’est l’arrangement de Dieu, mais le Fils est toujours son fils et le grand amour maternel n’a pas besoin d’être dit. Bien que Jésus soit un jeune enfant, mais à ses yeux, il ne voit pas le monde indiscipliné de l’enfant, mais fait preuve de fermeté et de calme. Face aux efforts indisciplinés et incessants de l’agneau, Jésus ne paniqua pas et le rendit docile avec des moyens uniques: son intelligence et son âge ne correspondaient pas, ce qui témoignait de la détermination à entreprendre la mission.

Toute la composition est agile et vivante, et les yeux des personnages forment une aura visuelle chaleureuse, et la belle famille du monde en déborde. En même temps, le comportement du personnage est complet et le sens est riche. Sainte Anne et ses trois générations de la Vierge et de l’Enfant sont heureuses et partagent les véritables sentiments du monde et l’esprit de la religion.

Les cinq peintures figurant dans les peintures de Da Vinci ont le même thème. La composition et la signification des peintures sont différentes: les scènes de la vie sont entremêlées de symboles religieux, ou le thème des personnages et la nature mystérieuse sont fusionnés, ou les esprits humain et religieux coexistent, se complètent et se complètent. La Vierge et l’Enfant, Sainte Anne ont enlevé l’aura sacrée. Ils sont heureux et profitent du monde, en montrant le monde et l’ordinaire. Cependant, la conception ingénieuse des personnages tels que les yeux, le comportement, l’environnement et les symboles religieux tels que les œillets nous présente le caractère sacré et la grandeur de la religion. On s’exclame au poignet, on est abasourdi et il est inévitable que nous restions toujours fascinés Combien de connotations insondables y at-il dans les classiques du maître?

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